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galerie@fcaa est une nouvelle vitrine des métiers d'art contemporains du Canada atlantique. Les caractéristiques galerie travail jamais vu d'ACTS avant dans une galerie officielle.

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Helen Stanley
LIRE BIO « Dès ma première expérience avec l'argile, au secondaire, j'ai été séduite. Sentir de quelle façon l'argile répond au moindre toucher m'a fait réaliser que c'était la chose avec laquelle je voulais travailler. Et quelques années dans des écoles d'artisanat (Sheridan College et le Collège d'artisanat et de design du Nouveau-Brunswick) m'ont appris le côté technique de la poterie, en particulier l'utilisation du sel pour créer une glaçure saline. J'adore la façon dont les pièces à glaçure saline ont une immédiateté à laquelle tout le monde réagit. C'est une apparence qui vous ramène, d'une certaine manière, à ce pot fraîchement mis sur le tour, ou à la texture, aux empreintes digitales imprimées sur une pièce fraîchement modelée ».

« Dans mon atelier, à Seeleys Cove, j'en suis à mon cinquième four et à presque ma trente-sixième année à travailler l'argile... je suis donc passée du premier frisson à "dites-moi pourquoi je fais encore cela?" pour finalement atteindre une compréhension plus profonde de l'argile et de moi-même et de "l'endroit" où les deux ne font plus qu'un. Il y a quelques années, j'ai commencé à créer des pièces sculpturales qui ont vraiment élargi ma compréhension de la façon dont l'argile réagit, et ça m'a donné un vocabulaire tout nouveau avec lequel travailler le matériau. Ça m'a permis de me diversifier, de faire des choses auxquelles je n'aurais jamais pensé avant. Comme si différentes méthodes se nourrissaient l'une l'autre et enseignaient leur propre savoir, et plus vous essayez de nouvelles choses, plus votre relation avec la matière devient confortable et satisfaisante ».

« Je participe à des ateliers chaque fois que je le peux parce que je crois fermement dans la formation professionnelle permanente; je vois bien tout ce que je peux apprendre en regardant faire les autres. Quand on regarde faire un expert, on découvre beaucoup de petits raccourcis utiles. L'un des avantages de l'argile, c'est qu'il reste toujours des choses à apprendre et de nouvelles avenues à explorer. Cette pièce représente une corneille se pavanant dans mon jardin, vue avec les yeux de mon expérience et de mon humour ».

Cara Kansala and
Pam Dorey
LIRE BIO Depuis 2003, Cara Kansala et Pam Dorey travaillent ensemble à réaliser des sculptures ainsi que des meubles sculptés et peints à la main.

« Les jeux de mots et l'absurdité de la vie quotidienne nous amusent toutes les deux. L'an dernier, Cara a réalisé une peinture intitulée Sometimes When Pop Was Out Fishing Nan Would Bake Pies in the Nude. Et ce qu'il y a de plus drôle, c'est que cette toile est basée sur une histoire vraie. Nous vivons dans un petit village isolé de Terre-Neuve où de drôles de choses arrivent – et éventuellement, tout le monde finit par en entendre parler », dit Pam Dorey.

Si la pièce est riche de caractère, si elle est sculptée dans le bois ou est peinte de couleurs vives, il y a des chances que ce soit Cara Kansala et Pam Dorey qui l'aient faite pour une exposition, une commande, ou pour la vendre à leur propre galerie, Grumpy Goat Gallery, située à Upper Island Cove. En ce moment, leurs projets de meuble préférés comprennent des chaises d'où jaillissent des pêcheurs et des mouettes, ou des têtes de lit en forme de vagues et festonnées de sirènes. Le printemps dernier, c'était une bruyante célébration de la musique folk terre-neuvienne avec des instruments de musique excentriques, des heurtoirs de porte et des couvre-sol. Cara et Pam possèdent une énergie irrésistible. Maisons dansantes de la couleur de caleçons-combinaisons rouges, ciels violet vif et bateaux jaunes se balançant sur l'eau… Il n'y a pas d'objets inanimés ni de lignes droites dans leurs collages et sculptures.

Signée « Cara et Pam », la gamme d'objets uniques sculptés et peints à la main comprend des sculptures, collages et meubles fonctionnels. Il y a aussi une série de cartes artistiques basée sur les objets originaux et uniques. Représentations et scènes reflètent la perspective optimiste qu'ont Cara et Pam des petits villages isolés de Terre-Neuve pleins de joie, de musique et de plaisir. Chats, chiens, chèvres, pêcheurs, mamies et amis de toutes sortes vivent sur des paysages terrestres et marins joyeux et aux couleurs vives qui vous feront sourirent, c'est garanti!

Laurie Swim
LIRE BIO Laurie Swim fait le métier d'artiste depuis quelque 40 ans, mettant au point des techniques uniques et innovatrices pour ouvrer son imagerie dans des textiles avec tissus et fils. Elle a écrit trois livres, dont deux publiés à l'échelle internationale, sur l'art de la courtepointe. Publié en 1984, Joy of Quilting – avec une introduction d'Alex Colville – a fait de Laurie une experte et pionnière dans le domaine de la courtepointe artisanale. Le troisième livre de Laurie, intitulé Rags to Riches: The Quilt as Art – introduction signée Mary Pratt – a été publié au Canada en 2007.

Les créations de Laurie ornent de nombreuses collections publiques et privées, y compris la Banque d'œuvres d'art de la Nouvelle-Écosse, le Nova Scotia Designer Craft Council, la City of Toronto Art Collection et le Museum of Arts and Design de New York. Sa création intitulée It's No Fish Ye're Buying fait partie de Textile Traces, une collection rassemblée par Lloyd Cotsen qui a récemment été honoré par le Textile Museum de Washington DC pour contributions exceptionnelles dans le domaine des arts du textile.

Parce que sa matière primaire est le tissu, Laurie a eu une occasion unique de jumeler beaux-arts et défense d'intérêts publics. Elle a entrepris la création de courtes pointes à grande échelle et confectionnées par des bénévoles de collectivités en 1995. La première de ces créations, intitulée Pulling Together, the Builders of the Rideau Canal, 1826-32, fait maintenant partie de la collection du Workers Heritage Museum de Hamilton, en Ontario. En partenariat avec COSTI Immigrant Services, en 2000, elle a aussi créé Breaking Ground: The Hogg's Hollow Disaster, 1960, une tragédie qui a changé le cours de l'histoire du Canada. Le mémorial de 7 par 20 pieds a été dévoilé dans la station York Mills du métro de Toronto (Ontario) le 17 mars 2010. À Lockeport, sa ville natale en Nouvelle-Écosse, Laurie a créé Lost at Sea, 1961, commémorant 17 pêcheurs en 2000. Un projet de grande envergure, The Canadian Young Workers Memorial Quilt, qui rassemble 100 éléments commémorant des jeunes âgés de 15 à 24 ans tués en milieu de travail, a été terminé en 2003.

En 2003, Laurie a reçu une bourse Chalmers de recherche artistique du Conseil des Arts de l'Ontario afin de terminer sa série From Our Back Yard, commencée en 1997.

En 2004, Laurie est revenue en Nouvelle-Écosse et depuis, elle a travaillé sur des séries célébrant la région, dont The Ragged Shore, inspirée par les paysages maritimes; They were Fishers, un hommage à la culture des pêcheurs, et Land, Sea and Memory. En 2007, elle a reçu une subvention du Conseil des Arts du Canada pour rechercher et mettre au point des procédés qui interprètent la terre, la mer et la mémoire. En 2009, le ministère de la culture, du patrimoine et du tourisme de la Nouvelle-Écosse lui a décerné une subvention à des fins de création pour terminer Land, Sea and Memory pour sa première exposition personnelle publique à la Mary E. Black Gallery.

La galerie Del Mano de Los Angeles (Californie) représente Laurie depuis 2007. Elle est aussi représentée par la Zwicker's Art Gallery de Halifax et la Amicus Gallery de Chester, toutes deux en Nouvelle-Écosse.

Peter Bauer
LIRE BIO « Ma quête perpétuelle est de trouver de nouvelles façons de travailler l'argent. J'ai la passion des textures. »

« Le besoin d'explorer et de découvrir oriente ma créativité et mes techniques. Et aussi la satisfaction d'avoir créé quelque chose de mes mains, un objet qui plaît aux sens, pas seulement pour moi, mais pour les autres. »

Orfèvre travaillant l'argent, Peter Bauer a grandi dans une ville d'Europe centrale imprégnée d'une tradition centrée sur la joaillerie. Sa mère était une dessinatrice de talent et son oncle propriétaire d'une entreprise de fabrication de bijoux où Peter a fabriqué sa première pièce à l'âge de cinq ans. Il a ensuite développé ses compétences sur la fabrication des bijoux auprès de son oncle. Il a terminé une formation poussée sur le travail des métaux et des cours d'arts à l'université de Vienne où il a obtenu deux diplômes en génie. Il a étudié le dessin industriel à l'université de Londres et obtenu une maîtrise en physique à l'université de Cambridge, en Angleterre.

Peter est un maître-artisan lauréat du Nova Scotia Designer Crafts Council et un membre sélectionné du Cape Breton Centre for Craft and Design. Adepte depuis toujours de l'art des bonsaïs, sa collection personnelle est considérable, et il a donné des conférences en Amérique du Nord et en Europe.

L'imagination sans limites de Peter ainsi que sa curiosité innée stimulent ses fascinantes créations et leurs textures sensuelles. Follement attrayants et pouvant toujours se porter, les bijoux de Peter sont vendus dans des boutiques d'art fin et ont été exposés dans des galeries au Canada et aux États-Unis. Ses créations font aussi parties de prestigieuses collections privées partout au monde.

Jason Holley
LIRE BIO Jason Holley est natif de Terre-Neuve. Il a étudié à l'université Memorial, au College of the North Atlantic et au Craft Council Clay Studio. Il est devenu artiste de façon indirecte. Il a commencé par travailler les textiles et les bijoux avant de découvrir la technique du colombin d'argile. Ses sculptures de mailles de chaîne en céramique ont été exposées à la Gallery of the Craft Council of Newfoundland and Labrador en 2009, et cette même année, son travail était présenté à une exposition-concours à la Cheongju International Craft Biennale en Corée du Sud. Les pièces de Holley feront partie d'une exposition de groupe prochaine à The Rooms à St. John's, Terre-Neuve-et-Labrador en 2011. On trouve ses œuvres dans des collections publiques et privées.

« J'adore créer mes pièces. Quand je suis anxieux ou agité, je vais au studio. Je trouve une certitude dans le motif, un réconfort dans mes méthodes. Mon travail peut être sans merci. Toute erreur dans le motif finit par aggraver le problème et s'en sortir peut être difficile. L'argile doit être à un degré d'humidité très précis : trop humide, elle se déforme, et trop sèche elle s'effrite. Ça demande une discipline et un engagement que je n'ai pas réussi à apporter ailleurs dans ma vie ».

« La cuisson de type raku est cathartique. Il me semble approprié qu'après toute la minutie que je mets dans chaque pièce je choisisse une méthode de finition aussi violente et destructive. Le raku est particulièrement difficile à contrôler et est souvent désastreux, mais quand il fonctionne, le résultat peut être magnifique ».

« Le résultat final a l'air si solide, militaire, et permanent. Ça ne l'est pas. La plus petite violence prouve à quel point mon illusion est fragile. Mon intention n'est pas de berner les gens. J'ai gaspillé tellement d'énergie à dissimuler mes propres faiblesses que je deviens impatient de les mettre en évidence. Pour moi, ces sculptures montrent la faiblesse, non la solidité ».

« Les choses finissent toujours par être plus complexes que je ne l'imagine ».

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